Fashion Designers - Albert Elbaz

El genio detrás de la casa Lanvin.

De un talento  y una genialidad innatas, Elbaz es uno de los pocos que combina moda e intelectualidad, de lo cual resultan colecciones de una estética deliberada y perfectamente definida que conjuga practicidad con simplicidad y refinamiento.

Nacido en Casablanca, se muda con su familia a Israel a la edad de diez años y se considera a si mismo como israelí, sin embargo, hay críticos que ven influencias de sus primeros años en Marruecos en sus creaciones.

Luego de estudiar diseño en el Shenkar College of Textile Technology and Fashion, viaja a Estados Unidos. Trabaja durante dos años en una empresa especializada en novias y madrinas.

En 1987 comienza a trabajar para Geoffrey Beene, firma en la que permaneció siete años y dónde se origina su omisión a las tendencias, comenzando a gestar prendas de estilo atemporal,  lo cual constituye hoy uno de sus rasgos de estilo.

En 1997 ficha para Guy Laroche, una firma demasiado conservadora a la que pudo añadir sus toques contemporáneos durante sólo un año.

En 1998 comienza a trabajar para el área de prêt à porter femenino de YSL; cuando el maestro se retira y fallece, Elbaz, cuyo talento era completamente reconocido por la casa, iba destinado a convertirse en el diseñador a cargo, pero la firma fue comprada por Gucci y Tom Ford asumió la responsabilidad de todas las áreas de diseño.

Fue así como comenzó a trabajar para Krizia durante un breve lapso que constituyó una transición insospechada: al tiempo que esto se sucedía, Shaw- Lan Wang adquiría la casa francesa Lanvin y la elección para la dirección creativa recayó sobre Elbaz. A partir del 2001, remontó la casa a lo más encumbrado de la moda, recuperó sus diseños delicados y exquisitos, aunándoles modernidad en una excelente combinación de siluetas: sus diseños se ciñen a la anatomía femenina como una segunda piel o pueden resultar volátiles y etéreos a través de telas como la seda o la muselina.

Su trabajo en la maison Lanvin ya lleva doce años y le ha valido varios galardones, entre ellos el CFDA en junio del 2005, la Legión de Honor de Francia en 2006, el "Design Star Award" del International Fashion Group en 2007, la mención del Time Magazine como una de las personas más influyentes del 2007 y la Medalla de Bronce de la Ciudad de París en 2009.

Su alquimia entre pasado y futuro en el trabajo impecable de las telas (de una calidad magnífica) reversiona el patrón genético de la casa una y otra vez en el uso de colores tradicionales (azul Lanvin), pedrería y bordados - con el valor agregado de su creación e imaginación- lo resignifica en la actualidad y le confiere el savoir faire parisiense y urbano a niveles generales. A esto se le suma su sentido agudo de lo que sus clientas necesitan.

En un ejemplo práctico: su colección Resort 2014 está inspirada en un número amplio de situaciones dentro del lifestyle de sus clientes para los que el diseñador ha imaginado - y creado los outfits que estarían acordes con la ocasión. Los resultados son asombrosos:

http://www.style.com/fashionshows/review/2014RST-LANVIN

María de la Cruz Rojo

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Fuentes

http://www.vogue.co.uk/spy/biographies/alber-elbaz-biography

http://estilodevida.latam.msn.com/ar/articulo_efe.aspx?cp-documentid=253644415

http://www.puretrend.com.br/pessoas/alber-elbaz_p2093

http://sichanellevantaralacabeza.blogspot.com.ar/2012/03/los-nuevos-aires-de-lanvin.html

http://www.marie-claire.es/moda/disenadores/ficha/alber-elbaz

http://artsandcreation.foroactivo.com/t108-alber-elbaz

http://milibrodemodayestilo.blogspot.com.ar/2008/07/alber-elbaz-lanvin.html

http://www.buenastareas.com/ensayos/Alber-Elbaz/3273268.html

http://ar.globedia.com/alber-elbaz-repasamos-bio

http://mexico.cnn.com/entretenimiento/2011/03/23/albert-elbaz-el-disenador-practico

Photographers - Lee Jeffries

Su fotografía testimonial con las tintas cargadas de hiperrealismo generaron más de una duda a la hora de decantarnos por el trabajo de Jeffries en los contenidos. Pero ganó la pluralidad de expresiones artísticas y es por ello que su descarnada sensibilidad, su crudeza en blanco y negro hoy están reseñadas en la sesión dedicada a aquellos que hacen de la fotografía un arte.

Natural de Manchester, comenzó dedicándose a fotografiar eventos deportivos. Hasta que en 2008, encontrándose en Londres para participar de una maratón, en un paseo por la ciudad la tarde previa, fotografió a una joven que aparentemente dormía en la entrada de una tienda en Leicester Square. La foto fue tomada de lejos, sin embargo ella lo advirtió y lo increpó. Jefries encaró la situación acercándose, conversando con ella y poniéndose al tanto de su historia. Y fue a partir de entonces que visita distintas ciudades de Europa y EEUU fotografiando indigentes y lidiando a veces con situaciones peligrosas. Su método consiste en descubrir cierta sensibilidad en sus ojos, si Jefries no la encuentra, no prosigue su acercamiento, el relato de su trabajo y la foto, porque sin ésta emoción en la mirada– de acuerdo con él –“la fotografía sencillamente no funcionará”.

Sus primeros planos –generalmente en blanco y negro- articulados dentro de ésta fuerza emocional en la mirada de los fotografiados combinada con una excelente forma de sugerir lo sutil a partir de lo descarnadamente obvio le han valido varios galardones, entre ellos el Premio de Fotografía Digital 2011.

Coherencia: sus premios son donados para recaudar fondos para organizaciones que trabajan por el bienestar de los indigentes.

La indigencia como temática artística y testimonial de una problemática acuciante hacen imposible que la crudeza de sus fotos pasen inadvertidas, ya forman parte de un material y una obra conmovedores.

María de la Cruz Rojo

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Colecciones Argentinas - Ramirez Invierno 2013 - Pablo Ramirez

La colección  de Pablo Ramirez se siente y se vive como el savoir faire de  la semana de la moda parisina.

Siluetas definidas llenas de glamour y sofisticación;  hechura y rigor de corte que resultan en líneas y volúmenes perfectos en un estricto y prolijísimamente elegante blanco y negro. La perfección con que Ramirez logra su propósito en las formas se debe en parte a una elección cuidadísima y la familiaridad con los textiles que trabaja colección tras colección. Materiales nobles como la lana, alpaca, poplin de algodón, crepe de seda opaco, raso opaco, shantung, seda, contribuyen para lograr los rasgos de estilo que ya todos conocemos.

En el caso puntual de su Invierno 2013, el sustento conceptual del que parte Ramírez articula una serie de elementos y actores que garantizan - una vez más - una colección Couture en la Buenos Aires contemporánea (casi un oxímoron): el universo de Alfred Hitchcock (elegante y femenino con una musa inolvidable y etérea: Grace Kelly) más la evocación del legado de imágenes que nos han dejado un trío histórico en el mundo de la moda, nos referimos a Diana Vreeland, Richard Avedon y Dovima.

Grandes cuellos y lazos, torsos ajustados, volados, capas  y sombreros, todo muy teatral y elegante.

Impecable, algo a lo que Ramirez nos tiene acostumbrados.

María de la Cruz Rojo

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Fashion Designers - Julian Roberts

Diseñador de modas y director de cine, una excelente combinación para el mundo de la moda, en dónde la imagen y las variables de las puestas en escena juegan un papel preponderante. Dentro de ésta articulación, el de Roberts es un derrotero interesante, lleno de momentos jugados sin un aparente ápice de duda. Versátil, ha trabajado desde sus épocas de estudiante sobre patrones de corte, videos, films, fotografía e ilustración. Ha explorado magistralmente otras formas de puesta en escena más allá de los desfiles convencionales. Ha participado con más de 13 colecciones en el London Fashion Week y es el creador de un método de corte y patronaje denominado "Subtraction Cutting", que Julian difunde a través de cursos, seminarios  y talleres por todo el mundo y que está siendo utilizado por muchos diseñadores emergentes. Fue en ése peregrinaje pedagógico que lo conocimos en abril pasado, cuando dictó en el marco del MICA su técnica para varios diseñadores locales, entre los cuales se encontraban Lucila Negri y Debora Orellana.

Comienza su carrera a los 16 años estudiando Womenswear en el Newcastle Upon Tyne, graduándose en 1994. Dos años más tarde obtiene su título Menswear Masters en la London Royal College of Art.

Al recibirse trabaja durante dos años como diseñador asistente para Jasper Conran llegando a colaborar en ocho colecciones para, en 1998, retirarse para abrir su propia marca: Nothing Nothing, lanzada en el Spring Summer 1999, caracterizada por una gran irreverencia: lo que realmente existía era una bella tarjeta de invitación para un desfile que no existía. Para el desfile real hubo que esperar un año más. El mismo se llevó a cabo en la Galería Atlantis en el marco del Spring Summer 2000, colección que le valió a Roberts el New Generation Award, otorgado por el Consejo Británico de la Moda y la oportunidad de mostrar su colección Otoño Invierno 2001, llamada "The Lageos Project".

Su colección Spring Summer 2001, "One of One", le granjeó su segundo New Generation Award.

Con "Ideas for a possible collection" de la temporada Otoño Invierno 2001, presenta la última colección para Nothing Nothing.

Para la temporada Primavera Verano 2002 Roberts lanza una nueva marca JULIAN AND y para la primer colección, llamada "YOU", dirigió una película en colaboración con TANK Magazine, que fue proyectada a 150 pies de altura en la fachada exterior del Museo de Historia Natural de Londres, en la primer noche de la semana de la moda, demorando el tráfico del lugar.

"JULIAN AND SOPHIE" surge en el 2002, a partir de su asociación con Sophie Cheung (graduada en textiles y tejidos impresos), su primer colección "CMYK" (otoño / invierno 2002) ganó el New Generation Award, ya el quinto a ésta altura para Roberts. Con una colección suspendida en desaprobación de la guerra contra Irak en el 2003 y dos colecciones más hechas en tiempo real en el 2004 constituyeron el resto del quehacer la línea "JULIAN AND SOPHIE" para entrar en una fusión de la que hablaremos más adelante.

En el 2004, a la edad de 33 años, se le concedió una cátedra y estableció la Nueva Escuela de Moda en la Universidad de Hertfordshire convirtiéndose en el profesor más joven en el reino unido y para el 2005, bajo el marco de su nueva línea "Parc deS EXpositions", puso a 22 de sus alumnos a trabajar en la producción de una colección en tiempo real, tremendamente vertiginosa, con su método "Subtraction Cutting". La colección fue llamada "Antithesis of Top Shop" y brindó a sus alumnos la posibilidad de exhibir sus prendas en la semana de la moda.

A las marcas anteriores debemos sumar una más denominada "Tunnel Technique", relacionada de lleno con su método de patrones de corte: Subtraction Cutting.

Justamente es éste  uno de los aspectos más enriquecedores de Roberts, junto con su conjunción moda / cine / arte / música a la hora de mostrar una colección, el cual es denominado de ésta manera porque la forma resultante es creada a partir de eliminar (restar) tela, en vez de adicionar tejido. Esto crea no sólo un espacio para que sea ocupado por un cuerpo, sino también unos particulares efectos drapeados alrededor del mismo, por momentos envolventes, por momentos insólitos y sorpresivos, por tamaño, color y ubicación. La técnica puede ser usada para confeccionar ropa de hombre y mujer, carteras y sombrerería.

Julian tiene un PDF explicativo en su site www.julianand.com para ser descargado libremente, porque el igual que el espíritu que animaba su marca "JULIAN AND SOPHIE Parc deS EXposition", la búsqueda y la intención están puestas en celebrar unos con otros, en trabajar en una prenda especialmente para alguien con quien nos vinculamos, que forma parte de nuestro día a día.

Innovación, irreverencia, vanguardia y arte en una cosmogonía en dónde la moda se puede perspectivar desde todas ellas, logrando nuevas formas de verla y apreciarla y evitando los lugares comunes.

Roberts se erige así  como un artista que, a ésta altura, ya nos ha dado mucho.

María de la Cruz Rojo

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Fuentes

http://www.rca.ac.uk/Default.aspx?ContentID=504279

http://www.blowpr.co.uk/julianandsophiesite/Julian_and_Sophie_BIOG.pdf

http://www.newdowse.org.nz/News/Latest-News/Yield-Making-Fashion-Without-Making-Waste/

Photographers - Bettina Rheims

Me resulta necesario comenzar con dos consideraciones de más de un crítico al respecto de la obra de Rheims: su asociación con la obra de Helmut Newton y su trabajo sobre tabúes sociales: androginia, erotismo, inicios sexuales, lesbianismo, exhibicionismo... y resultaría molesto pensar a priori que ésta combinación un tanto trillada fuera la que le confiriera el status del que goza hoy en día: Rheims es considerada una de las fotógrafas más notables del panorama fotográfico contemporáneo.

Francesa, nacida en 1952, comienza estudiando periodismo y trabajando como modelo, para fotografiar -en 1978- a un grupo de strippers; el corolario de dicha "sesión"  fueron dos muestras: una en el Centro Pompidou y otra en la galería Texbraun, ambos en París y la decisión de volcarse a la fotografía.

Sin duda su obra, basada principalmente en el erotismo y la provocación (principalmente femenina) es un discurso directo, Rheims parece carecer de sutilizas. Pero a su vez, ha tenido (como Newton) la versatilidad para trabajar tanto en su obra como en otras líneas: la moda y la publicidad. Cuenta con la perfección de los fotógrafos tradicionales de su época, en dónde la ecuación consistía en la cámara (como instrumento de o para) y la sensibilidad para captar la imagen y el momento.

En 1989 publica un libro basado en retratos femeninos de su autoría, llamado Female Trouble.

En 1990 publica una serie de retratos de adolescentes andróginos llamado "Modern Lovers", basado en trabajos que, anteriormente a su edición, había expuesto en Francia, Gran Bretaño y EEUU.

Sus colaboraciones y trabajos conjuntos con el escritor Serge Bramly son también muy resonados: entre 1990 y 1992 trabajan sobre Chambre Close , una serie  basada en desnudos femeninos en varias posturas captados en habitaciones de hotel decoradas con papeles pintados, libro que suele reeditarse hasta la actualidad. En 1998, publican I.N.R.I. en dónde retratan la vida de Jesús en escenarios contemporáneos. La polémica estaba asegurada. En el 2003, continuando con la saga conjunta con Bramly, editan el libro Shangai en el que retratan la ciudad conjuntamente con imágenes de mujeres de distintas nacionalidades.

En el 2000 publica X´Mas, una serie de fotografías de chicas jóvenes que descubren su femineidad.

En el 2004 publica More Trouble, basado en retratos a lo largo de diez años de carrera, realizados principalmente a famosas.

En 2007 publica Heroines en dónde retrata a 50 mujeres llevando las creaciones de Haute Couture del 2005.

Éste es el panorama general en palabras (al que hay que añadir un libro a pedido en el 2008, para un millonario ruso); pero en Rheims las palabras no tienen lugar, por el alto impacto de sus imágenes, en dónde está todo expuesto (o sobreexpuesto, dependiendo de quién mire) y condensado. Su forma de trabajar tópicos e identidades (identidades sexuales sería más preciso)se ha vuelto icónica a través de un estilo explícito que no busca ni se propone confrontar con el marco  tradicional, aunque a menudo lo haga.

María de la Cruz Rojo

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Fuentes

http://lamiradafotografica.blogspot.com.ar/2011/01/bettina-rheims.html

http://en.wikipedia.org/wiki/Bettina_Rheims

http://www.rafaelroa.net/blog/2012/08/bettina-rheims.html

http://elrincondemisdesvarios.blogspot.com.ar/2011/11/bettina-rheims-1952-paris.html

http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/11/bettina-rheims.html

Fashion Designers - Catherine Malandrino

La fórmula de Catherine Malandrino podría reducirse, aunque sería injusto (al igual que con Balenciaga), a "lo que sucede cuando una diseñadora parisina se instala en New York". Pero su historia es anterior a ése arribo.

Nacida en Grenoble, de familia italiana, Malandrino estudió diseño en la escuela Esmond (París). Luego de graduarse trabajó para Louis Féraud y Emanuel Ungaro.  En 1990 llegó a la dirección artística de la marca "ET VOUS", consiguiendo llevarla hasta la escena misma del prêt à porter. Es recién en 1997 cuando se traslada a New York y colabora con Diane Von Furstenberg en tanto desarrolla su propia línea, la cual fue lanzada en 1998; su primer colección llevó el nombre de "Collages". En el 2000 capta la atención de prensa y público con su colección "Flag", en la cual combina la elegancia parisina con el urbanismo cosmopolita newyorkino.

En el 2006 consigue abrir su primer boutique en Paris (Rue de Grenelle, en Saint Germain), y continua produciendo para uno y otro lado del Atlántico, diseñando dos líneas: Catherine Malandrino  y su línea "Malandrino" de zapatos y accesorios que incluye joyería, carteras y cintos.

Todos coinciden en que su éxito se basa en la conjunción de la energía de Manhattan y el romance -elegante- de París. Conceptualmente es perfecto, en los hechos y en las prendas esto queda traducido a un estudio cuidado de una paleta de colores amplia, volúmenes y tridimensiones conformados a partir de una línea curva para integrarse con la silueta y volverla escultórica, texturas variadas , una presencia fuerte de detalles geométricos y adaptación a las tendencias sin perder el rasgo de estilo característico de sus diseños: la femeneidad.

Ella declara que trabaja a partir de la individualidad, de la premisa que no hay dos mujeres iguales y que  diseña para una mujer que usa todos los códigos de la femeneidad para afirmar su personalidad. Esto queda fielmente traducido en su última colección Resort 2014, con vestidos ceñidos al cuerpo o de faldas evasé con tablas, ultra femeninos y con mucha utilización de corte láser para unos productos Cut Out perfectos, insinuando discretamente:

http://www.style.com/fashionshows/review/2014RST-CMALANDRINO

Fuerza y sofisticación, la mezcla que Malandrino obtiene de su romance por y entre dos ciudades: Paris y New York.

María de la Cruz Rojo

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Fuentes

http://www.infomat.com/whoswho/catherinemalandrino.html

http://blog.catherinemalandrino.com/wp-content/themes/malandrino/files/presskit.pdf

http://www.puretrend.com.br/pessoas/catherine-malandrino_p1902

Fragancias - Rock & Rose - Valentino

Dejar de lado el purismo y mezclar ingredientes asociados a diferentes estilos para lograr resultados versátiles me parece una opción excelente para la mujer de nuestros días. Sin dudas las casas así lo han entendido también y reflejan dicho entendimiento en propuestas que se acomodan a nuestro día a día.

Rock & Rose, de la casa Valentino, es un claro ejemplo de ello. Lanzado en el 2006, buscó plasmar, por un lado, la fascinación del diseñador por las rosas, por otro (ya desde el nombre nos lo adelantan), combinar aspectos de personalidad en principio encontrados: inocencia con sensualidad, una actitud rockera (personalmente yo no "huelo" ni detecto olfativamente que lo hayan logrado) y elegante a la vez.

Perteneciente a la familia de los florales frutales, la casa nos dice respecto a su pirámide olfativa:

Notas de Salida: muguete, grosella negra, bergamota.

Notas Medias: rosa, gardenia, flor de azahar, lirio de los valles

Notas Bajas: vainilla, sándalo rosa y heliotropo.

Es un floral influenciado profundamente por sus notas bajas, las cuales, en combinación con la rosa y la gardenia, aportan seriedad y cierta sofisticación (delicada) a la fragancia, volviéndola apta para la oficina (ya que no es invasiva, de hecho, se presenta más a flor de piel), que, a la vez, ayudan a eludir la pomposidad femenina de las rosas. En definitiva, la fragancia se muestra femenina, joven y elegante. Es apta para invierno y verano (aquí gana la atemporalidad de las notas de gardenia). Indicada también para un día a día de corte social elegante, no así para la noche, momento para el cual no cuenta con la intensidad suficiente y su mezcla floral (más asociada con las horas diurnas) desentona.

En definitiva, en éste juego de encuentro de estilos, Garavani aporta una fragancia que podemos usar durante el día y durante el año, demostrando que las rosas pueden participar de muchos otros aspectos más allá de estar asociadas a la melosidad romántica. Rock & Rose así lo demuestra.

María de la Cruz Rojo

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Fuentes

http://www.fraganciasdelmundo.com/detalle.asp?id=32.468822012711544828.49156p=rock%20&ref=5790

http://queolortiene.blogspot.com.ar/2008/03/rock-n-rose-by-valentino.html

Eco Fashion News / Eco Beauty - Diferencias entre aceites vegetales, esenciales y minerales

A la hora de utilizar productos cosméticos, es fundamental conocer los componentes con que fueron elaborados, y si los mismos pueden resultar nocivos o no para nuestra piel y salud. A éste respecto, es importante que los productos estén libres de parabenos y alergenos que irritan, tapan los poros, resecan y pueden llegar a generar dermatitis y acné. Los productos fabricados con aceites minerales (parafina o vaselina), no son indicados por éste motivo.

Por el contrario, los elaborados con aceites vegetales y esenciales, suavizan, nutren, hidratan, son asimilables (no quedan en la superficie de la piel) y dejan respirar a la piel, proveen un efecto fungicida y bactericida, además de actuar (a niveles de aromaterapia) como equilibradores emocionales.

Al respecto, el artículo de la línea Weleda (que recomendamos en nuestra sección "Cosmética sin Violencia (1), resulta claramente ilustrativo:

http://weleda.com.ar/index.php?module=fr_noticia&id=135&seccion=1

Sus productos, por otra parte, son recomendados por no contar con sustancias nocivas para el organismo y estar libre de experimentación animal.

María de la Cruz Rojo

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Notas

(1) https://www.facebook.com/notes/croix-asesoramiento-de-imagen/cosm%C3%A9tica-sin-violencia-weleda/187813178021185

Identidades - Araceli Pourcel - Diseñadora de Indumentaria - Investigadora - Escenógrafa y Vestuarista

¿Quién mejor que Araceli Pourcel para estar entre los protagonistas de la sección "Identidades"? Sus trabajos de investigación y desarrollo parten de éste reconocimiento, de la conciencia y la claridad con respecto a él y las directrices que desde él pueden surgir, a veces de forma intelectiva y otras más intuitivas y / o lúdicas.

El énfasis en éste punto queda manifiesto en el desarrollo de la conversación que mantuvimos en su taller hace algunos días:

Croix Asesoramiento de Imagen (CAI): Contanos cómo fue que te acercaste a los textiles y a su desarrollo creativo.

Araceli Pourcel (AP): Empezó cuando iba a la facultad. En principio lo que me pasaba era que quería generar mis propios materiales, que me resultaba mucho más interesante crear todo. El material, hacer transformaciones en el material propio y a la vez hacer el diseño. Quería hacer mis propias telas. Entonces empecé primero con tejidos y después con bordados y después fui sumando técnicas: cortar telas, usar materiales de descarte, intervenir. Y a partir de ésa experimentación empecé a buscar más técnicas porque las técnicas que conocía no me eran suficientes para generar los textiles que quería hacer. Así empecé a investigar y a generar mis técnicas. Empecé a investigarlas primero con libros antiguos y empezar a ver encajes a mano y distintas técnicas y formas y traducir eso a un lenguaje contemporáneo, con otros materiales y con otras maneras de enlazar, también pensando que un textil no necesariamente es una tela, para que haya un textil tiene que haber un encuentro de distintos materiales y que los materiales se sostengan entre sí. En lo contemporáneo "textil" es dónde hay una trama o también puede ser dónde hay una tela. De golpe una escultura blanda de tela es un textil, pero también un encuentro entre plásticos y alambres que se sostienen y generan un espacio también es un textil. Entonces, fue empezar a ver qué es el universo textil, que es mucho más amplio de lo que uno imagina.

CAI: ¿Qué método de trabajo tuyo encontrás novedoso a partir de éstas investigaciones?

AP: Para mi novedoso es investigar la técnica y el material juntos y empezar a buscar otras formas de encuentros entre los materiales y las técnicas para generar algo propio. Lo novedoso es que cada uno puede tener un lenguaje personal y trabajar en su identidad y en eso es en lo que yo me especializo: en que cada uno pueda hacer un trabajo de identidad propia. Para hacer algo único tenés que generar un lenguaje propio, un sistema. Hay que salir a buscar ése sistema. En mi caso en particular es a través de los materiales y las técnicas. Otro puede tener un sistema más conceptual, en cambio en mi caso es empezar desde la materialidad y después abordar la identidad siempre con una idea previa. Yo trabajo tres círculos concéntricos: ideología, concepto e imagen. Primero está mi ideología y mi filosofía, qué quiero contar y qué quiero decir, después a través de qué (que sería cómo voy a contar eso) y al final como luce eso que voy a hacer. Pero primero está de lo que yo quiero hablar, cuál es el relato de mi obra.

CAI: ¿Tenés alguna técnica que te guste más que otra -dentro de las tuyas-?

AP: La experimentación. Meterse a experimentar con materiales y ver lo que sucede a través de la experimentación, porque en ésa experimentación libre surgen cosas nuevas, que si vos estás pensándolas, estás atrapado dentro del lenguaje que ya conocés. En cambio si vos te ponés a experimentar sin una idea previa aparecen cosas nuevas. Tiene que haber una instancia de juego y experimentación con materiales y con técnicas que estén alejadas de la proyección de lo que hace un diseñador, del proyecto. Y ahí van a surgir cosas que después van a poder generar otras y vas a poder meterte en un trabajo más personal. Pero si vos no te abrís a ideas nuevas (que siempre es como lo más difícil para el diseñador encontrar ideas nuevas), hay que hacer una serie de ejercicios para abrir la creatividad y encontrarse con otras cosas. Y eso es lo que trabajo, empezar a que aparezcan cosas nuevas.

CAI: ¿Hay alguna investigación en la que te encuentres trabajando en éste momento?

AP: Investigo mucho con plásticos. Con reciclaje de plástico, con fusión de materiales y con gofrados y bajorrelieves, mucho con la plancha de sublimación - la herramienta que en éste momento me tiene captada-  y el calor y ver todas las cosas que puedo hacer con calor.

CAI: ¿Hay alguna textura con la que te guste trabajar más?

AP: Me gusta mucho que sea texturado, que hayas distintos niveles, que le pasen cosas a la tela: que haya bordado, estampa, que haya mucha investigación textil... que pasen cosas, que pase de todo en la tela.

CAI: ¿Hay algún trabajo que te guste más que otro o al que le tengas un cariño especial?

AP: Ahora estoy en dos muestras. Una es "Desbordado" (1), una muestra de arte textil en UADE Art en la que estoy con Marta Minujin, Chiachio Giannone, Manuel Ameztoy, Andrea Cavagnaro, toda gente muy reconocida y referentes del ámbito textil y artístico y me gusta mucho lo que hice ahí, un relato de familia, afectivo, es una instalación. Y después estoy en la muestra "de Gino Bogani al diseño de autor" y ahí expongo un traje que hice para el Bicentenario, cada uno interpretaba una época de la Argentina, yo interpreté los 80´. Las dos cosas me gustan mucho. Pero ahora estoy intentando hacer un camino más artístico y estoy más interesada en el dibujo, la pintura y el textil y la instalación y la vinculación de distintos objetos para generar un relato.

CAI: ¿Cómo ves la situación de la industria textil en la Argentina?

AP: No tengo mucho para decir con respecto a eso. Lo veo como siempre, complicado. Cuando empecé a estudiar no había telas y ahora hay muchas menos. En la argentina se tejen denim, algodón, modal, jerseys de algodón y algunos planos y no hay más telas; hay muy poca industria textil y hacen dos o tres cosas básicas, nada más, así que acá no hay telas. Me parece que hay un muy interesante desarrollo textil independiente en éste momento. Hay muchos estudios que están haciendo sus propias telas y sus propios desarrollos y muchos diseñadores que hacen sus desarrollos textiles. Me parece que eso es parte de la identidad argentina en el diseño. Para mi la identidad es el desarrollo textil experimental, la nostalgia y el drama, los tres condimentos con los que nosotros trabajamos. Siempre hay una cosa de mirar al pasado, media nostálgica y demás, es parte de nuestra identidad.

CAI: ¿Y en el exterior cómo ves los nuevos estudios y trabajos acerca de textiles?

AP: Me parece que hay un desarrollo increíble en todos lados. Desde telas con madera, telas con fibras increíbles, hay muchas telas para tapicería que parecen artesanales y son desarrolladas a nivel industrial. Supongo que también lo hacen para mostrar un poco lo que pueden hacer.

CAI: Antes me mencionaste que para el diseñador a veces no es fácil presentar algo nuevo, ¿en qué te inspirás para tener los niveles de creatividad que tenés y mantenés?

AP: En desarrollar un lenguaje propio. Cuando vos tenés una identidad y un sistema de trabajo ya sabés que es lo que vas a hacer. Vas haciendo variaciones y cosas nuevas en relación a lo que a vos te pasa, que es lo más difícil, tener un trabajo que sea propio. Tener identidad es lo más difícil de todo, es la gran problemática del diseñador. Definir algo y poder seguir en ése camino es algo muy complejo de resolver. Tomar ésa decisión. El diseñador siempre quiere hacer muchas cosas diferentes, porque es creativo. Entonces, elegir un camino de exploración y que además sea nuevo y poder hacer cosas nuevas dentro de ése camino es lo más complejo.

CAI: Contame alguna anécdota de todos estos años.

AP: Creo que descubrir cosas nuevas. Ver cómo se fusionan materiales entre sí. O sea, cada vez que tengo una idea nueva digo: "WOW, que bueno esto que se me ocurrió" y lo quiero hacer de nuevo, tiene que haber un cope en lo que hacés. Hacés algo y lo querés hacer de nuevo. Creo que eso es lo que más me sorprende y creo que me han pasado cosas muy lindas en mi carrera todo el tiempo y me siguen pasando. O ver a las alumnas acá en el taller, sus encuentros con los materiales y lo que les pasa a ellas, es muy lindo todo el tiempo. Estoy muy contenta de hacer descubierto esto, de tener éste trabajo de enseñar y compartir y a la vez explorar y compartir cosas nuevas que voy explorando. Me parece que es una muy linda tarea diaria. Mi cotidiano es muy tranquilo y muy lindo. Y eso es un logro enorme.

CAI: Dentro de los textiles internacionales ¿hay alguna investigación que te haya deslumbrado?

AP: Me gustan mucho unas telas que ví con maderas, tremendas. Me gusta mucho el trabajo de una diseñadora holandesa que se llama Iris Van Herpen, ella hace un trabajo de forma, de textura y de diseño muy interesante, es más conceptual en sus desfiles. Siempre me gustó el trabajo de Hussein Chalayan y después me gusta mucho un diseñador industrial que se llama Tord Boontje y trabaja capturando la esencia de la naturaleza. Acá yo tengo un objeto de él.

CAI: Contanos acerca de algún próximo proyecto en el que estés trabajando.

AP: En octubre voy a estar en la feria de arte EGGO, en el Centro Cultural Recoleta. Ahí voy a hacer una mezcla: instalación, pintura, bordado...

CAI: ¿Algunas palabras para los lectores?

AP: Que es importante darse tiempo para explorar, para investigar. Que la creatividad viene con el trabajo, hay que darse ése tiempo para hacer cosas. Estar tranquilo, en calma... que es importante reunirse y compartir, compartir experiencias es  muy importante, pasarle tu experiencia al otro en todos los aspectos, eso nos ayuda a todos. *

Reconocimiento de la identidad, exploración, investigación, transmisión de experiencias, reunión, transmisión, tópicos de Araceli Pourcel que nos recuerdan que hay valores y conceptos a los que hay que volver y recurrir siempre.

María de la Cruz Rojo

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Notas

(1) Informaciones sobre la muestra "Desbordado": http://www.uade.edu.ar/acerca-de-uade/uade-art/muestras-y-exposiciones

(2) Interesados en la muestra "De Bogani al diseño de autor", ingresen a: http://www.centroculturalrecoleta.org/nuevositio/gino-bogani/

Colecciones Argentinas - Sexy Glam - María Gorof - Otoño Invierno 2013

Porque el Couture  tiene un espacio imposible de negar, hoy reseñamos la propuesta de María Gorof para ésta temporada. Inspirándose en el rock, la diseñadora resignificó algunos de sus atributos de estilo (cuero, aplicaciones de metal, cadenas, chalecos motoqueros), combinándolos con la liviandad, las transparencias y los aires románticos y femeninos de los encajes, las sedas, el satén y las gasas. Así surge "Sexy Glam", una colección de noche, mitad de largo (las faldas, vestidos cortos y minishorts que conforman  la otra parte de la colección son parte de su impronta más contemporánea), mezcla de líneas puras atemporales y modernidad. Una materia prima que la diseñadora articula para aunar conceptos en ésta propuesta la constituyen los pailletes, que aplican tanto a un estilo sofisticado como para el rock más glamouroso  de los 70´ y 90´. Como puente entre ambas décadas, la estética de la campaña presenta una cresta, que, sumada a los avíos, nos remontan  al mejor estilo punk rock de los 80´.

La paleta es predominantemente neutra: el negro es protagonista. A él se le suma la delicadeza del marfil. María suma el platino, que levanta la paleta pero mantiene la sofisticación.

Con éste conjunto de décadas y estilos; María Gorof aúna varias propuestas: a las mujeres más románticas les suma osadía, a las chicas con un estilo más rocker, les suma glamour, sofisticación y cierto aire romántico. Ciertamente, una articulación muy bien pensada.

María de la Cruz Rojo

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Fragancias - Miss Dior Eau de Toilette

La casa Dior se muestra incansable en el arte de la recreación. Éste lanzamiento es un buen ejemplo de ello: salido en el 2011, se trata de una reversión del Miss Dior Cherié del 2005, el cual, a su vez, es una reversión del original Miss Dior (fragancia acompañante de la colección Corolla, devenida en "New Look" de 1947).  A diferencia de su precedente, ésta nueva propuesta busca acercarse más fidedignamente a la versión original en lo que a características olfativas,  semántica y sustento conceptual se refiere. Para ello, François Demachy, el perfumista de la Maison, redujo las referencias a frutillas en favor de las de pop corn caramelizado, el cual le otorga una dulzura azucarada. En su quintaesencia aparecerá el patchouli, para poder enmarcar ésta fragancia dentro de los chipres, pero antes de ello, en ése tránsito nos encontramos con unas notas cítricas y florales: un conjunto que adapta una línea clásica a nuestros días, esto es: llevada por una mujer actual de estilo clásico, delicada y elegante.

Al analizar su pirámide olfativa éste encuadre se vuelve evidente:

Familia Olfativa: Chipre Floral Luminoso

Notas de Salida: Naranja Sanguínea, Mandarina Verde, Hojas de Fresa, Violeta

Notas Medias: Jazmín Rosa, Fresa Silvestre, Palomitas de Maíz, Esencia de Nerolí de Tunez, Rosas Damascenas turcas y búlgaras

Notas Bajas: Patchouli de Indonesia, Almizcle cristalino.

La atemporalidad del chipré la vuelve apta para uso diario en ambientes sociales semiformales e incluso serios, NUNCA deportivos. Atención: si bien es adecuado para uso de oficina por relacionarse a un estilo personal pulcro y ligeramente autoritario, puede - debido a sus notas bajas- resultar intrusivo en espacios pequeños y muy cerrados. Para la noche, su presencia se vuelve notoria cuando muy avanzada la fase media,  apareciendo como una fragancia formal joven, elegante, notoria y apropiada para invierno. En ocasiones románticas las notas de patchouli en combinación con las de rosas ácidas pueden resultar un tanto intimidante. Preferentemente debe llevarse como perfume personal para destacar en público.

En definitiva, el anterior Miss Dior Cherié, ha dado paso a ésta síntesis "Miss Dior", la cual se inspira en los orígenes y en los patrones genéticos de la casa Dior que nos ofrece una fragancia para la mujer de hoy en día que no resigna las líneas clásicas. Una atemporalidad reversionada, lo cual resulta casi un oxímoron. Al respecto, dejemos que la curiosidad nos lleve a testearla

María de la Cruz Rojo

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Fuentes

http://www.dior.com/beauty/esp/es/fragrancia/perfume-femenino/miss_dior/miss-dior/eau-de-toilette/y0062423/py0062423-cmissdiorfpl.html

http://queolortiene.blogspot.com.ar/search/label/Christian%20Dior?max-results=40

http://www.fraganciasdelmundo.com/detalle.asp?id=32.468822012711544828.49156&ref=5413